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Photographe de l'aventure humaine: Gilbert Garcin

alex — Mon, 30 Aug 2010 23:00:55 +0200

Photographe de l'aventure humaine: Gilbert Garcin

Gilbert Garcin

Photographe de l’aventure humaine

par Olivier Delhoume

Les photographies de Gilbert Garcin nous conduisent à des territoires fantastiques : ceux de nos vies, de nos rêves et de nos illusions. Utilisant des objets réels qu’il met en scène, l’artiste nous invite au dialogue et à la réflexion sur notre condition humaine. L’humour du photographe interdit tout jugement sur nos contemporains mais le sourire nous rend complice de son regard d’une grande acuité.

Très souvent, on demande à Gilbert Garcin comment il pratique la photographie ; son procédé intrigue. Comment fait-il ? Mais, pour lui, l’essentiel n’est pas là : « En effet, ce qui est important c’est le Pourquoi. C’est difficile de répondre mais je pense, qu’avant tout, j’ai un besoin de communication. Alors qu’à un certain âge, les contacts peuvent se raréfier la photographie est, pour moi, un moyen de multiplier les contacts et d’aller à la rencontre des autres. Il y a probablement en moi un refoulé qui aurait aimé dire et décrire un certains nombre de choses. »

Gilbert Garcin nous assure que, pour commencer en art, il faudrait avoir acquis la maturité de celui qui a vécu et réfléchi sur la nature des êtres et des choses : « Les hasards de l’existence m’ont fait arriver tardivement à la photographie. Une nouvelle existence pour moi, par hasard. Mais est-ce qu’il aurait été bien de commencer la photographie à l’âge de vingt ans ? »

L’âge ne fait rien à l’affaire. L’appétit aiguisé, la manière maîtrisée par les stages aux Rencontres d’Arles, il ne s’agissait plus alors, pour Garcin, que de s’y mettre tel un jeune homme. Il a tout le temps nécessaire pour se lancer dans l’aventure et, ne s’attachant qu’à l’essentiel, l’art ne pouvait que naître.

Le génie de l’artiste est d’aller au-delà des mots. L’image parle pour lui ; elle est universelle, polyglotte et immédiate dans sa lecture. Plus que des photographies, les tableaux de Garcin sont de véritables images, de l’importance de celles d’Epinal, estampes qui célébraient, instruisaient et divertissaient. Parfois devinettes visuelles, on les admirait de génération en génération pour y découvrir, à chaque fois, de nouvelles choses. On retrouve, dans les photographies de Garcin, ce jeu populaire de l’œil et de l’esprit, accessible à tous, à la fois universel et intemporel. Ainsi, comme à la veillée, on parle de ses images, on débat, on s’en amuse mais on réfléchit aussi. Les oeuvres de Garcin invitent au dialogue: « Chaque image est l’occasion d’échanger avec les autres. Si vous regardez mes images dans lesquelles j’apparais, chacun peut tout de même s’identifier au personnage que je joue. Il n’est en aucune manière question d’autobiographie. Dans ce sens, je représente la vie des autres. »

Convoquons un conseil de famille et apparaissent André Vigneau qui, photographiant une chaussure, transforme l’objet en sujet, Horst P. Horst dans sa rigueur esthétique, Man Ray pour son trafic photographique. Pas de surprise à voir arriver dans l’instant ceux du cinéma : Georges Mélies pour ses trucages fantastiques, Chaplin pris dans l’engrenage des Temps modernes, Hitchcock et ses apparitions à la sauvette, Tati et sa silhouette immuable. Et la peinture aussi. Magritte et ses tableaux au-delà du réel : « J’aurais aimé connaître André Breton. Pour certains, le surréalisme est, l’une des facettes de mon travail. J’ai été soumis à une multitude d’influences et le surréalisme est peut-être un élément de mon travail. Mais je ne me définis pas comme cela ». N’oublions pas dans ces cousinages : Max Ernst pour la poésie de ses collages, Caspar David Friedrich et son homme devant la mer. Tant d’autres, encore, dans les photographies de Garcin : conservatoire d’un musée fantastique, miroir de l’esprit, mémorial de l’humanité, procès verbal des images commises dans le temps et qui ont réveillé nos âmes assoupies.

Chaque photographie de Garcin commence par une idée, attrapée au vol en une seconde mais longuement mûrie par 80 ans de vie auxquelles s’additionnent 55 années de mariage avec Monique. Puis, c’est le temps du « bricolage » à l’égal de celui des studios hollywoodiens. Par l’installation des éléments sur une table, le « maquettiste » fait des miracles. La silhouette de son personnage prend place tel un acteur sur le plateau du tournage. Les deux projecteurs allumés, la séance peut commencer. Alors, il photographie et se promène dans le champ de ses pensées manipulant les objets-symboles. La magie opère. Exigeant sur le fond et dans la forme, le photographe ne gardera qu’une seule image. L’idée révélée au regard des autres, l’œuvre est née. La silhouette de l’objet/sujet Garcin a pénétré l’image avec sa complice de toujours Monique. Mais ils ne sont ni Gilbert, ni Monique. Ils sont acteurs de situation, figurants de l’illusion. Ils nous représentent : observateur, acteur, victime ou maître du monde se confrontant au temps et aux choses. Déclencheur de conscience, jongleur d’idée, amuseur spirituel, Garcin projette ainsi le spectateur dans l’image, au coeur d’un véritable spectacle philosophique accessible à tous.

Il pourrait utiliser d’autres moyens techniques, d’autres procédés visuels, plus virtuels, électroniques et informatiques. Mais il préfère se confronter au réel : « Il y a une différence fondamentale entre les images de synthèse informatique et celles que je fais. Dans mes images, tout est réel. Il n’y a rien d’inventé. Quand on voit une matière ou un objet, il s’agit bien de réalité et les ombres sont bien réelles. »

Cet art est multiple car, partant d’une installation sur la table, il nous emmène en poésie vers l’étonnante réalité, voire cruauté, de notre condition. L’artiste s’offre jusqu’à s’oublier lui-même, ne voulant jouer à l’autoportrait, à l’auto consécration. Le personnage n’est que l’objet-support, matériau à notre image. Cela tient de la performance tant pour l’implication de l’auteur que pour le résultat obtenu. Ce jeu de l’artiste est total et le « Je » apparent figure l’humanité dans son entier.

Une image apparaît et la lumière nait en nos esprits. L’ancien marchand de luminaires ne pouvait imaginer un tel succès : tant de livres publiés et d’expositions internationales. Il feint de s’en étonner mais l’homme devait savoir ; on ne part pas sur un tel chemin sans viser un horizon large de grandes perspectives.

Les photographies de Garcin éveillent nos âmes avec subtilité et parfois humour. Garcin n’est pas un directeur de conscience et n’accuse personne de nos tourments. Il intervient avec élégance distanciée et empathie bienveillante. Le jeu de l’esprit s’avère être aussi un divertissement ultime, nous rappelant la phrase de Beaumarchais : « On doit s’amuser de tant de choses de crainte de devoir en pleurer ».

Olivier Delhoume

Août 2010

Louis Stettner en Suisse - AD-Galerie et Château de Nyon

alex — Fri, 14 May 2010 14:29:38 +0200

Louis Stettner en Suisse - AD-Galerie et Château de Nyon

Louis Stettner, un regard sur la vie

Faire de la photographie, mais pourquoi ? Il ne s’est jamais posé la question.

Dès l’âge de 14 ans, il entre en photographie alors qu’elle n’est pas encore perçue comme un art. Il fait des images pour lui, ses amis photographes et ses proches, tout simplement. Il y a quelque chose de naturel et d’intuitif chez Stettner. Pas de préméditation, ni de volonté de construire une œuvre. « Comme pour l’amour ; on n’explique pas l’amour… De même pour la photographie ! ».

Jeune homme, il aurait pu tirer le portrait de ses amies, utiliser ce stratagème pour flirter. Mais, non. Il part dans le Pacific, si mal nommé : la deuxième guerre mondiale éclaire l’horreur de ses bombes. A 18 ans, il choisit la meilleure possibilité, pour lui, de servir au mieux la lutte contre le nazisme et le fascisme et il s’engage pour « un combat juste ». Il découvre alors que le reportage de guerre est très difficile : « plus on s’approche des combattants ou des victimes, plus ils se cachent ». Dix ans plus tard, il aurait réalisé des portraits de soldats. Les espoirs et les peines sont inscrits sur le visage, la profondeur d’un regard dit tout.

Une bourse de 75 dollars par mois offerte par le gouvernement américain lui permet de venir suivre les cours de l’IDHEC à Paris. Le cinéma lui fait de l’oeil mais il lui semble compliqué de trouver un producteur, de diriger toute une équipe. Il opte pour la photographie qui garantit l’indépendance.

Stettner aime les grandes villes. Il s’y sent à l’aise ; c’est son territoire. Il découvre Paris : « la ville de l’amour et de la beauté de la vie, œuvre achevée ». Mais son coeur balance. « A New York, l’homme dévoile son esprit en lutte contre l’adversité. C’est une ville en train de se définir perpétuellement, toujours en devenir. On peut y devenir héroïque ». Ces deux villes sont très différentes et complémentaires tout comme le sont peinture et photographie ; deux arts qui ne cesseront de rythmer la vie de l’artiste. La peinture lui est angoissante mais un nécessaire processus de recherche et de découverte intérieure. Art moderne, la photographie le projette à l’extérieur et vers les autres : occasion de rencontres et moyen de découvrir le monde.

La seule différence entre la photographie et la peinture ? « La chance joue un rôle plus important dans la photographie. Mais tous les autres éléments sont communs à aux deux arts. Pour moi, c’est une très grande angoisse de peindre alors que la photographie reste un processus très intuitif. Je ne fais jamais de calcul pour prendre une image. J’attends un instant de chance pour exprimer, par ma vision personnelle, la vie autour de moi. Je cherche les moments signifiants qui révèlent quelque chose de l’humanité ».

Pour Stettner, l’émotion et la composition sont intimement liées. L’émotion s’exprime par la structure de l’image : « Il n’y a pas de bonnes ou de mauvaises photos. Il y a des images plus ou moins fortes mais on réussit une image lorsque l’émotion s’exprime dans une forme originale ». Et le meilleur reste à venir car : « l’âge avançant, tout cela devient de plus en plus excitant. Tout comme un bon vin qui prend de la qualité avec les années ».

Pourquoi la photographie ? « Une bonne image ne devrait pas pouvoir s’exprimer avec des mots. Si je le dis avec les mots, il n’y a pas de raison de faire une photographie. Cela reste un miracle inexplicable ». Voila pourquoi une photographie de Stettner vous touche profondément, comme un instant précieux de la vie. Et comme pour la vie, ces moments de bonheur ne se révèlent qu’avec le temps qui définit la valeur des choses. L’œuvre polie, l’art surgit.

De même pour ses peintures, Stettner réclame du temps : « Dans cinquante ans nous comprendrons, peut-être, l’intérêt d’une toile… ». Très souvent, ce sont les peintres qui viennent à la photographie mais il a suivi le chemin inverse. Il exprime en photographie ce qui ne peut l’être en peinture et inversement. Mais le visage et les mains restent le dénominateur commun. Si d’autres artistes ont traité ces sujets, ce fut souvent mis en scène dans un décor. Mais lui s’en tient au gros plan, fasciné et désireux de comprendre, de découvrir les mystères de l’humain : « Je me retrouve moi-même dans les autres. Jamais je ne prémédite la réalisation d’une image. Jamais je n’impose quelque chose à la réalité ; elle me dit ce qu’il faut faire. On ne sait pas ce que l’on va trouver, je reste ouvert à tout. L’intérêt est de faire correspondre ce qu’il y a en vous avec ce que l’on trouve dans le réel. On pourrait même faire une photographie très forte dans la salle d’attente d’un dentiste mais il faudrait, pour cela y rester cinq ou dix ans. La réussite est souvent en relation avec le temps investi ».

Il regrette que les endroits intéressants à Paris soient de plus en plus rares : « Il y a tellement de touristes que Paris est devenu un décor de théâtre. La vraie vie des habitants, la vie quotidienne - expression merveilleuse en français - est de plus en plus difficile à trouver ».

Photographie contemporaine.

Pour Louis Stettner, le photographe contemporain est à 98% quelqu’un qui se montre habile, inventif et spectaculaire mais sa proposition reste une sorte de divertissement décoratif. Cela n’a rien à voir avec l’Art dont la seule raison d’être est de toucher l’âme humaine : « L’art n’est pas un divertissement. Tout mon travail va à l’encontre de l’industrialisation et de la déshumanisation de nos sociétés ».

L’émotion, conjuguée à l’originalité de la composition, constitue le dénominateur commun de toutes ses œuvres. Mais ne lui collons pas d’étiquette ; il les refuse : « Suis-je un artiste humaniste ? Je ne sais pas mais Rembrandt était humaniste. Aujourd’hui, très peu de photographes en défendent les valeurs ».

Louis Stettner a mis longtemps pour venir à la couleur. Mais c’est devenu un élément important de ses images qu’il traite comme en noir et blanc. Les couleurs rayonnent, éclatent. N’avions-nous pas déjà découvert de la couleur dans ses noirs et blancs? « La couleur fait partie de la photographie. Elle peut souvent être plus qu’un simple aimant vers le réel, devenant pure expression de l’émotion et de l’instant. Il n’y a pas d’image en noir et blanc que j’aurais aimé faire en couleur ».

Stettner se fera-t-il des ennemis, passera-t-il pour démodé auprès de certains en rejetant le numérique? Je ne crois pas car il différencie le support de création argentique et le moyen de reproduction numérique. Comme pour une peinture de Rembrandt avec l’œuvre originale et sa reproduction. Différence qu’il évoque en distinguant le vrai du faux : « Tout cela n’est guère visible mais ce n’est pas la même chose ; le digital n’a pas sa propre esthétique et reste une imitation de la photographie basée sur les sels d’argent ».

La photographie est un art dans lequel beaucoup d’éléments interviennent : l’intérêt du sujet, la qualité esthétique mais aussi la qualité technique de la pellicule, du papier sensible,… Et tout cela contribue à la réussite artistique. Aujourd’hui il est devenu presqu’impossible de réussir du beau noir et blanc car la qualité technique des supports a considérablement baissé. Stettner craint que, dans dix ans, ces matériaux traditionnels disparaissent : « Ce fut un miracle, durant ces quelques décennies, d’avoir pu bénéficier de bons appareils et de bonnes fournitures. Je continue de réaliser mes propres tirages argentiques en laboratoire ce qui en étonne beaucoup. Je trouve cela tout à fait normal et y prends un grand plaisir. C’est formidable d’être dans le noir. Rien de mauvais ne peut vous arriver dans une chambre noire ».

C’est une aventure pour lui, à chaque fois renouvelée, quand il sort avec un appareil : « Tout à coup, en dix secondes, on peut toucher l’éternité. Et ces miracles arrivent parfois. Avec l’âge tout devient de plus en plus excitant. En photographie, les œuvres continuent de vivre après leur auteur et c’est très réconfortant ».

Il s’étonne aussi de sa notoriété et de la reconnaissance de son œuvre qu’il continue de construire chaque jour. « C’est peut-être un genre de folie mais je garde toujours une passion très vive. Je ne sais pas pourquoi je fais les choses, elles arrivent c’est tout. Je ne cherche pas à être très clair dans ma démarche. ».

Tous les regards sondés par l’objectif de son appareil témoignent d’un monde terrible. La cicatrice des visages et des âmes confirme que tout cela n’a aucun sens. « Tant de misères et tant de souffrances ! Mais il faut garder l’espoir qu’un jour l’humanité pourra résoudre ses conflits et arrêter les horreurs inutiles ». Il considère que c’est aussi le rôle d’un artiste de lutter pour renforcer l’humanité. Il refuse le désespoir et avoue rester éternellement optimiste car il y a tout de même des progrès pour la condition humaine : « Si nous sommes mieux soignés médicalement, si l’espérance de vie augmente, c’est bien. Mais on vit tout de même dans un monde de consommation perpétuelle où les objets deviennent plus importants que les gens ».

La prochaine photographie qu’il fera ? Il ne sait pas car cela dépend des hasards de la vie. Il restera tel qu’il est, fidèle à ses convictions. « Je crois avoir été courageux bien qu’ayant connu d’intenses moments de peur. J’ai essayé de faire de mon mieux et c’est ma plus grande satisfaction. J’ai la possibilité d’être toujours actif. Je continue de vivre à paris et d’aller à New York, trois ou quatre fois par an. Cette ville me fascine toujours autant, bien que les lieux de vie authentiques disparaissent peu à peu ».

Pour Louis Stettner, La photographie est un moyen de chercher la vie dans la vie. Il croit avoir trouvé, modestement, quelques petites choses dans ce domaine. Une galerie de New York lui a envoyé un petit globe terrestre comme cadeau avec ce mot : « Vous avez fait du monde un bel endroit ». Et cela l’a beaucoup encouragé. Mais il ignore encore beaucoup de la valeur de ses images. Il nous offre son regard sur la vie et les gens. Sait-il que nous n’existons que par le regard que nous portent les autres ? Louis Stettner nous regarde et nous sommes vivants.

Olivier Delhoume - Mai 2010

Josef Hoflehner, "tranches d?infini" par Sophie Tomte, Rédactrice du magazine Azart Photo.

alex — Mon, 1 Mar 2010 10:14:34 +0100

Josef Hoflehner, "tranches d?infini" par Sophie Tomte, Rédactrice du magazine Azart Photo.

Josef Hoflehner, "tranches d’infini" par Sophie Tomte, Rédactrice du magazine Azart Photo.

Zen, c’est le mot qui vient à l’esprit quand on se plonge dans l’univers du photographe Josef Hoflehner. Ses paysages sont à l’image de l’homme qu’il est : timide, silencieux, posé. Rien d’étonnant alors que sa technique de prédilection soit la longue exposition. Une technique qui oblige à prendre son temps, à comprendre les saisons, la lumière, le vent, le mouvement des nuages, à les anticiper. À être en communion avec le paysage, en quelque sorte. Aux quatre coins du monde, à l’heure où le jour bascule, Josef Hoflehner capture sur la pellicule des tranches d’infini, et grâce à une formidable maîtrise des dégradés, nous livre la vision d’un univers au ralenti.

Sa fidélité indéfectible au format carré et au noir et blanc, souvent associés à la longue exposition, a pu être jugée comme de la facilité, et il a certainement souffert de la ressemblance de son approche technique avec celle employée par d’innombrables autres photographes paysagistes, dont le plus connu est sans conteste Michael Kenna. Pourtant, dans ses images, point de facilité. Josef Hoflehner fait au contraire preuve d’une exigence immense, prenant entre dix-huit mois et deux ans pour compléter une série. Il n’accepte jamais d’images « moyennes », ce qui transparaît quand on parcourt son portfolio. Cet artiste suit ses envies, et arrive à innover malgré le carcan technique qu’il s’impose. Ainsi, dans des récentes séries, il a exploré d’autres univers, comme dans « Jet Airliner » : des images spectaculaires d’avions atterrissant et décollant à l’aéroport Princess Juliana de l’île franco-néerlandaise Saint-Martin aux Antilles (un aéroport qui possède une piste très courte, obligeant les pilotes à une approche à dix ou vingt mètres au-dessus de la plage !). Dans ces images fortement contrastées, tout est là pour nous rappeler le vacarme assourdissant que produisent les humains, dans la conquête de l’espace qui les entoure.

Photographe Fine Art incontournable aujourd’hui, Josef Hoflehner séduit les collectionneurs autant que le grand public. D’ailleurs, Francis Hodgson, directeur du département Photographie chez Sotheby’s et critique Photographie pour le Financial Times, ne cache pas son admiration pour cet artiste. Dans la préface de la neuvième monographie de Josef Hoflehner (septembre 2008), il écrivait : « Il existe un verbe qui se conjugue assez mal dans le domaine de l’art, c’est le verbe compter. Or, Hoflehner veut que ses photos comptent. Certes, elles sont dignes d’offrir un vrai plaisir visuel au spectateur. Mais si vous n’avez vu dans cette collection que des tons gris harmonieusement combinés, il vous faudra y revenir à deux fois, car Josef Hoflehner photographie en engageant toutes les ressources de sa riche culture. Ce n’est pas seulement le travail d’un photographe qui maîtrise toutes les finesses de son métier. C’est de la photographie plus rare encore, celle d’un homme et d’un artiste qui s’adresse à son public pour l’émouvoir et l’amener à réfléchir. Et il approche par là du sublime, au sens propre du terme ».

Au-delà d’une technique parfaitement maîtrisée, et de rendus somptueux, les images que produit Josef Hoflehner nous invitent en effet à la réflexion. Avec la longue exposition, ce dernier capture un moment de vie de ces paysages, compressant dans un regard quelques secondes de l’infini. Le temps est alors lissé, l’humain éphémère disparaît, seuls restent les éléments que la Nature berce ou agite au gré des vents, et les constructions humaines qui elles aussi finiront par subir les assauts du Temps. Les images de Josef Hoflehner sont le plus souvent silencieuses, paisibles, comme une longue caresse sur le film photographique, et nous poussent aussi au silence, pour faire taire un instant nos dialogues intérieurs. En ce sens, une des images les plus emblématiques de ce photographe est peut-être « Mangrove Tree » prise au Vietnam. À l’arrière plan, une barrière qui ponctue la scène comme des pointillés. Devant, un arbre isolé, prisonnier de flots que la longue exposition a figés comme un écrin de glace, et qui se dresse à la manière d’un point d’interrogation. Quand l’Homme n’est plus, la Nature reprend ses droits, mais elle doit composer avec ce que lui a laissé cet habitant vorace. Quand Josef Hoflehner photographie la ville, elle devient fantôme : lumière intense et diffuse, ombres fugitives. Vision post-apocalyptique mais curieusement reposante. Les bruits humains s’annulent entre eux, le Temps est distendu, l’Homme n’est rien face à l’Infini qui se meut en silence. Telles des Haïkus, ces courts poèmes japonais qui livrent en quelques mots l’essence d’un instant, les photographies de Josef Hoflehner reviennent à l’essentiel, à l’indispensable.

Josef Hoflehner (né en 1955, vit et travaille en Autriche) est un artiste très actif : il publie en moyenne deux livres par an, a déjà visité plus d’une vingtaine de pays, et ne cesse d’ajouter de nouvelles séries à son portfolio. Désormais représenté par de nombreuses galeries dans le monde entier, il a accédé à une visibilité internationale et à un statut qu’il mérite amplement. Désormais, les collectionneurs et le grand public ne s’y trompent plus. Josef Hoflehner fait partie des grands, et il est en passe de devenir la nouvelle référence de la photographie de paysage Fine Art.

Josef Hoflehner

alex — Thu, 25 Feb 2010 17:56:13 +0100

Josef Hoflehner

LE MONDE "SUBLIME" DE JOSEF HOFLEHNER

Quelques mots de Francis Hodgson (Head of Department Photographs - Sotheby’s) sur la photographie de Josef Hoflehner:

Un certain type de photographie restitue au paysage ces qualités qui, au XIIIème Siècle, suscitaient un sentiment quasi d’horreur en confrontant la taille infime de l’être humain à la nature et ses terribles pouvoirs. Certes, la photographie est toujours plus ou moins littérale mais ce genre de paysage ne cache pas ses intentions d’être traité comme une métaphore. Josef Hoflehner est en passe de devenir un des plus éminents représentants de ce type.
C’est ainsi qu’on ne peut regarder sur une photo de Joseph Hoflehner la minuscule Statue de la Liberté sur son île marécageuse sans penser à ces cultures lagunaires disséminées sur la planète, en ces lieux - tel Venise en première place ! - où l’oeuvre humaine est sans cesse menacée. Nous nous sommes habitués depuis le 11 septembre 2001 à voir planer une menace sur Manhattan. Vue sous cet angle, l’élévation des eaux de l’Atlantique de quelques centimètres apparaît comme un grave danger permanent. Hoflehner a le don de créer cette sorte d’impression, et il sait comment l’entretenir.
Il y a diverses origines à la photographie sublime contemporaine, telle cette lignée britannique pour qui le noir et blanc est tout autant un spectre moral qu’un spectre chimique. Le ton avait été donné par les paysages de Bill Brandt - dont les contrastes se sont fait plus marqués au fil de sa carrière - et Hoflehner a certainement hérité de certaines de ses qualités, sans doute par le biais de remarquables descendants de la lignée Brandt comme Michael Kenna. On trouvera une autre origine à ce type de photographie dans les arts anciens du Japon, la calligraphie et la gravure sur bois notamment, dont l’essence a été transmise par de grands poètes du minimalisme: Hiroshi Sugimoto ou Shoji Ueda, entre autres. Une dernière parenté est celle de la photographie paysagiste du XIXème siècle par la manière dont Hoflehner traite l’eau, grâce à ses longues expositions (à 1/250e de seconde) qui rendent à l’élément sa fluidité après des années de gel. Rien de tout cela n’est le fruit du hasard. Hoflehner utilise peu de matériaux mais fait passer un message d’une grande richesse. Ses plus belles photos méritent d’être regardées souvent et longuement, car elles nous invitent à revenir sur nos intuitions et à nous livrer à une lecture métaphorique. Voyez ce petit arbre fermement soutenu de tous côtés : est- il malade ou prisonnier ?
Une des plus remarquables vertus des photos de Hoflehner est que celles-ci exigent que le spectateur s’implique personnellement. Vous ne serez peut-être pas en mesure d’en conclure dans quel camp politique se situe Hoflehner, mais vous constaterez son engagement envers la nature et sa prise de position contre ce que l’homme lui inflige. Ce sont donc des photos d’un artiste qui nous demande simplement de lui donner raison. Ils sont assez nombreux sur ce créneau-là, direz-vous !! Non, voilà des photos qui invitent le spectateur que vous êtes à réfléchir davantage encore dans sa contemplation avant de s’abandonner à ses seules intuitions.
Souvent, en photographie, l’air est transparent et intervient peu dans la manière dont nous observons. Chez Hoflehner, l’air a toujours une densité qui lui est propre et que notre regard a du mal à percevoir. Ce n’est pas seulement que la photographie affectionne particulièrement les effets de condensation ou de demi-jour, mais parce qu’il nous presse de porter un regard aussi lent que le sien. Un exemple : il a réalisé dans le passé une série d’études de manches à air, ces cônes orange qui claquent au vent sur les aérodromes pour indiquer la direction et la force du vent.
Pour la plupart d’entre nous, ce sont des objets vaguement identifiables qui accrochent l’attention mais qu’on oublie aussitôt. Hoflehner, lui, leur a donc consacré toute une étude. Sous son regard, les manches à air sont devenus des structures de facture humaine au sein d’un environnement apparemment naturel, les signes visibles d’une météo invisible, en quelque sorte des indicateurs économiques dont des lignes, dures ou douces, sont insérées, sont inscrites dans les mêmes objets insignifiants. C’est bien là la manière de travailler de Hoflehner: chercher une matière à réflexion autant qu’un objet de contemplation. Nous pouvons être certains que la raison pour laquelle il nous offre à regarder sa sélection finale atteste qu’il a trouvé quelque chose, aussi banal que ce soit, dans chacune de ses photos.
Il existe un verbe qui se conjugue assez mal dans le domaine de l’art, c’est le verbe compter. Or, Hoflehner veut que ses photos comptent. Certes, elles sont dignes d’offrir un vrai plaisir visuel au spectateur. Mais si vous n’avez vu dans cette collection que des tons gris harmonieusement combinés, il vous faudra y revenir à deux fois, car Josef Hoflehner photographie en engageant toutes les ressources de sa riche culture. Ce n’est pas seulement le travail d’un photographe qui maîtrise toutes les finesses de son métier. C’est de la photographie plus rare encore, celle d’un homme et d’un artiste qui s’adresse à son public pour l’émouvoir et l’amener à réfléchir. Et il approche par là du sublime, au sens propre du terme.

Francis Hodgson Head of Department Photographs - Sotheby’s

Vernissage ce 30 janvier de deux artistes français Bruno Mercier & Fifax en Suisse

alex — Wed, 13 Jan 2010 18:19:27 +0100

Vernissage ce 30 janvier de deux artistes français Bruno Mercier & Fifax en Suisse

Fifax et Bruno Mercier «Ephemeral»

30 janvier au 21 mars 2010

"Ephemeral parle bien évidemment des "traces" que laisse l'Homme à travers ses constructions sublimes et dérisoires. Car si l'Homme est le plus souvent absent visuellement de nos images, c'est bien évidemment lui que nous plaçons au centre du cercle.

De tous temps l'homme a su observer la nature et distinguer l'utile du préjudiciable.

De tous temps l'être humain a su apprivoiser son environnement.

Ainsi, l'homme a façonné des outils, appris à les utiliser pour se nourrir, protéger, conquérir, montrer sa bravoure ou sa puissance, il s'est fait bâtisseur pour se loger, se prémunir des éléments, réchauffer sa famille ou encore abriter sa foi, dialoguer avec les dieux. Il a voulu tendre des grappins contre le ciel obscur en quête d'une impossible étoile.

De tous temps l'homme a appris a connaître ses limites, lui, un être fini et mortel inscrit dans un univers infini en constante évolution. Ephémère par essence, il a désiré tutoyer l'éternité, s'affranchir de ses limites et à l'instar d'un dieu créateur a voulu construire, créer, imaginer. Il a façonné l'univers visible à son image, mieux encore il a souhaité que ses créations lui survivent et traversent les générations.

Ephemeral... Car souvent ne subsistent que des traces.

Traces de notre orgueil qui transcende notre simple condition humaine, humbles traces d'activités ou terribles cicatrices de combats ou de catastrophes, ou encore traces magnifiques et chefs d'oeuvres architecturaux, poésie de pierres et dentelle de rêves vouées à disparaître un jour aussi mais qu'inlassablement l'homme rebâtit et conserve.

Ephemeral parce que si l'homme avait eu l'éternité pour faire, sans doute n'aurait-il rien fait.

Ephemeral enfin, parce que la vie humaine est éphémère comme le sont ces châteaux de sable, de pierre ou de rêve que l'homme édifie et qui nous ressemblent tant."

Plus d'info: www.ad-galerie.com/ad-galerie/Artists/Artists.html

Bruno Mercier - Photographe

alex — Mon, 30 Nov 2009 15:36:35 +0100

Bruno Mercier - Photographe

6 février au 21 mars 2010

De tous temps l'homme a su observer la nature et distinguer l'utile du préjudiciable.

De tous temps l'être humain a su apprivoiser son environnement.

Ephemeral... Car souvent ne subsistent que des traces.

Ephemeral parce que si l'homme avait eu l'éternité pour faire, sans doute n'aurait-il rien fait.

Ephemeral enfin, parce que la vie humaine est éphémère comme le sont ces châteaux de sable, de pierre ou de rêve que l'homme édifie et qui nous ressemblent tant."

EXPO en 2010 en Suisse

alex — Mon, 30 Nov 2009 11:28:34 +0100

EXPO en 2010 en Suisse

February - March Bruno Mercier

April - May Josef Hoflehner

June - July Louis Stettner

Sept - October Gilber Garcin

Nov - December Münir Göle

AD-Galerie